城市中的艺术 | 设计室优秀作品赏析_空间
王雨田设计室“城市中的艺术”点评团：
王子耕
北京电影学院美术学院讲师
Pills杂志主编
普林斯顿大学建筑学硕士
刘阳
大料建筑主持建筑师
苏曼
凯诺设计室负责人，设计室们的联合开发者
哈佛GSD城市设计与建筑硕士
高亦伟
Asymptote建筑事务所
康奈尔建筑硕士
魏然
Perkins Eastman事务所
哈佛GSD城市设计硕士
王雨田
KPF建筑事务所，纽约
哈佛GSD城市设计与建筑硕士
朱锫建筑设计事务所，北京
意大利Studio RBA，广州
下图为设计室内9名学生设计作品的小模型：
由于篇幅有限，这里只展示在视觉艺术画廊/切尔西区；话剧剧场/百老汇；时尚奢侈品店/苏荷区这三个维度内的3位同学的设计作品。
金立晗
最优秀设计奖
关于视觉艺术画廊部分的设计
设计师作品自述
艺术品不应该简单地被陈列在展览空间中，它本身即具有营造空间以及叙事的潜力，需要被发掘。
本次设计中，我从一系列雕塑作品中获得启发并提出一种原型。在以建筑的尺度挖掘它的多样性并定义它的功能性的同时，它自己便形成了一个具有丰富空间和叙事能力的建筑。
这个建筑是一个单一原型的衍生品，而这个衍生品最终将再次与陈列其中的艺术品展开新的对话。
本次设计也证明了展品和展览空间之间能相互作用并存在互易性（reciprocity）。
Richard Serra的一系列雕塑作品给了我很大的启发（上图左），并使我提出了我这次设计的原型：一个轴向扭转九十度的金属条（上图右下）。
当我将它放大到人的尺度，并试图用建筑的语言解读它时，发现它不再适用于传统对墙体和楼板的定义，并模糊了二者的界限：通过扭转，原型自身由墙过渡到了板。
考虑到这一原型建构的可行性和稳定性时，我设计了一种基本的组合模式——头尾交错并置。与此同时两个单体发生了对话：这一端我的墙撑着你的板，那一端你的墙撑着我的板,二者互相倚靠。一种均衡性也在里面产生，这也是另一个层面上的“互易性”（上图右上）。
接下来我将这个原型作为构成建筑的基本单体，探究其丰富性和可操作性。
为了适应不同功能的基本需求，普通的墙由高、长、厚三个维度来控制。而我也用三个维度（参数）控制这个单体：扭转比例、扭转曲率和扭转轴。这种控制在我的模型制作过程中也得以体现：左图（上）是我设计的一个用于制作不同单体的装置，可以根据夹持位置的不同来控制三个维度。
同时我也探讨了十种单体两两组合的基本模式（上图右下），有横向也有纵向的，以满足不同空间的需求。随着丰富性的增加，单体自身形成了一个体系。接下来的操作，就是将这个体系运用到具体的场地和功能中去。
场地选在曼哈顿西侧23街附近哈德逊河边的一块公共绿地上。它紧临着一个码头，而滨水广场和街道之间被一片绿地隔开，使得它的临水面将吸引更多的人前来。因此这次设计，我更多地从水上而非街道的视角去考虑这个场地的公共性。上图居右是方案的总平面图，展览馆主入口面向哈德逊河。参观者的体验顺序应是：坐船从水上看到展览馆，下船来到滨水广场，进入展览馆。
基本的空间排布方式，是将单体两端规整的矩形空间作为展厅，而扭转的部分作为展厅之间的通道。之前所探讨的单体以及组合的丰富性在此也得以体现——单一原型衍生出了多样的空间：宽或窄、长或短、高或低，被理性地排布并赋予了功能后，建筑的外观仍保持作为艺术品的雕塑感和丰富性，而展馆的平面仍保证了空间的流畅舒适。
展馆采用环形流线，参观者进入门厅经过五个展厅后回到门厅完成游览。办公区作为单独体量与环形流线分开。这里通过两张室内透视分享两个展厅空间，以体现我的展览空间是如何最终与展品进行新的对话的。
两件展品都出自意大利雕塑家Matteo Pugliese的一个青铜雕塑系列，Extra Moenia
第一件雕塑（上图右上）是一个奔跑着冲出墙体的人。我将它安置在窄长的廊形展厅，与扭转的墙相对，挤压出狭窄的空间。每个通过的人都将感受到这件迎面而来的雕塑以及背后的墙体所带来的压迫感。震撼力将远大于放置在宽敞展厅中的雕塑。
第二件雕塑（上图右下）是一个示意安静的人。我将它安置在通高的钟形空间中。自上而下的天光，以及钟形空间所放大的回声，给人以很强的仪式感和纪念性，与这件作品相互呼应。
建筑临水一侧的临时展厅采用了与室外平台结合的公共展览方式。根据展品或是表演者的不同改变其公共性：封闭性展厅、开放式舞台或者看台。纽约街头艺术在此与传统展览空间发生互动。
建筑的立面保留了一定的仪式感，将来也可作为哈德逊河上的一个新的地标，吸引更多人，从水上接近这个城市空间。
虽然扭转的形式产生了大量的曲线，但是建筑的每一个横向剖面都是一个个矩形。矩形截面也为将来的施工提供了参考和方便。
而不同角度的矩形构成的剖面，也从一个新的视角解读了这个建筑：由同一原型衍生出的一系列雕塑的集合。建筑，作为场所，仍然是一件展品。
评图团的问题与建议
苏曼：看到你的设计，除了很喜欢这个形式以外，也让我想起了扎哈在罗马的MAXXI美术馆，当时我在美术馆里面，感受特别深的，是它的空间特别好、流线也非常好。所以，我有一些问题想要问你。
一是在你的这个空间里面，在流线上要如何更好的展示你的作品？而作为艺术品本身的展馆和在展馆内展出的艺术品之间的对比，你是如何找到这个平衡点的？如果你作为美术馆方的话，请你思考一下，怎么样可以帮助他们去展出更多作品，吸引更多的人来参观，这块经济因素的考量。至于我为什么我会提到这一点，有一个很现实的问题就是，MAXXI美术馆因为资金的问题倒了。所以说在你的空间设计中更多地去展示好作品的同时，也要在美术馆的运营上面提供帮助。
另外，其实按照它现有的形状，如果你把它转90度的话，可能会跟周边的环境更加呼应。所以我想问，为什么你会选择这个场地和现在这个方向以及你的建筑跟场地的一个呼应关系又是怎样的？
金立晗：首先，我的空间两端是十分规整的。人们在进入两端的展览空间时，并不会受所谓丰富性的影响，可以一心一意地去看展品。而所有的扭转，所有的我建筑本身有趣的东西，仅仅是在通过性质的空间，就是从这个展厅到那个展厅之间的路上，体会建筑本身的一些东西，所以它们之间的平衡，可能在这儿。
第二个转90度的问题。我考虑到它的公共性是面向水的，另一边视野又被树林挡住，人过来不是很方便。那么，既然靠近码头，把它面向水会比较好。另外，从平面上来看，我设计的是依附于地形平面的形式，就是说我这个生产方式和场地是有直接关联的。
魏然：我觉得苏曼老师的意思是，现在你的长条形空间是平行于河面的，你可不可以把它转一个90度，让长条形的空间垂直于河面。
但我个人觉得，让这个长条形的空间平行于河面，可能会更适合于你的形式，更能表达出这个设计的力度、这个水平向上的发展，所以我觉得现在这个形式是比较好的。
然后我的一点小小的建议是，如果对于外面到达的人来说，你的这个长条形的空间，长条形的流线的形式是感官的一个主要形式的话，那么对于在博物馆内部的人来讲，它的这个短边，也就是说它的那些小的剖面，可能是主要能够感受到变化的地方。因此，我觉得如果要继续深化这个项目的话，你可以从这两个方面来做一些文章。比如说，对内部的空间的长条形建筑接很多个剖面，然后去研究空间的变化；同时我觉得，你也可以结合剖面，来研究一下不同的空间感受是什么样子的，可能会对你的进一步深入比较有帮助。
高亦伟：我觉得这个设计最独特的地方在于空间形式的独特性。就是他从艺术品中提取了一个新的情况来出发，把它的尺度放大，做成了一个建筑。所以我希望从他的设计中看到更多这种独特的建筑空间的形式。
你可以考虑一下，把一个小尺寸的艺术品放大之后，对整个空间的影响，现在这种独特的、变化比较丰富的博物馆展览空间的形式，会怎么样影响到新的展览互动方式。
刘阳：我现在也在做美术馆，感受到现在美术馆里边展览的展品本身或者说看展这件事，已经变得不是最重要的了，重要的是美术馆怎么跟人互动，或者说这个美术馆本身作为一个城市的空间，能够带来一个什么样的贡献。
那么从美术馆内部来讲，本身的这个形式语言，我觉得还挺好，扭的那块在空间上是带来了一些特点的。不过，从美术馆的功能上来讲，一部分是展览空间、一部分是非展览空间（连接也好、辅助也好），现在更多的趋势，是对非展览空间（人看完展览以后，停留、交流、找一个地，自己想想事的空间）越来越看中，面积也好、比重也好、强调性也好等等。我不知道现在这个扭转，在展览和非展览的时间转换上，有没有相应的考虑？
王雨田：金立晗同学的设计，在某种程度上创造了一个相对新的、有点像模式化的东西，通过他自身的演变来做一个自下而上的、生长式的新建筑。就像他说的，重点就是从一个艺术品出发，来把它放大成一个可以影响空间、结构，甚至一些新的材料、一个新的体系、新的秩序的设计。当这个新的体系，又重新容纳回他本来受启发的艺术品的时候，就可能创造出的一个互动。
我很同意老师们对金立晗同学提出的一些建议，回答其中一个问题，金立晗刚才也有提到。实际上，在离这个水边非常近的地方，有一个客运码头，也就是说，船在这个码头停靠以后，里面的人可以直接从面向水边的主入口进来，所以它既迎接来自城市的人，也迎接从水上来的人。所以在某种程度上，我们可以把它当做一个客运码头的延伸。通过这种状态，也希望从功能上，用一种互相的置换，来进行一个不太一样的互动。
王楠
关于剧场部分的设计
设计师作品自述
我做的主要是一个浸入式的剧院。剧院最开始，可能重要的只是一些表演功能，但是到最后，它已经完全脱离了功能的要求。只要需要，它就像换了衣服的演员一样，可以扮演任何角色。观众不再只是坐在一个大跨度的空间中，成为一个被动的接收者。而且不管是演员、观众、还是路人，任何身份的人都可以进入舞台，在观看他人的同时，也成为被他人观看的存在。
那么，当建筑物不再是一个大大的、宽阔的、与地面平行的舞台，而是多个不同高度与地面平行的舞台或者当结构本身成为一种舞台的时候。人的活动，就会以一种垂直的方式，一幕一幕地呈现在大家面前。
总而言之，不仅仅把“看与被看”的这个感觉局限在一栋建筑之内，更希望以此为发散点，去承接和发出这样的视线。
此时，一个可以承接它的场地就变得十分重要，它需要连接周边的环境，但又不受周边环境的控制。我需要利用可能平时注意不到的空间，比如旁边有一块空地的屋顶酒吧，最好周边有一个公园或公共活动的广场之类的...于是找到了位于west village第十大道上，夹在一个屋顶酒吧和一个面包店之间，大约36m*7.8m这么大的一块空地。
建筑的首层以及和两个屋顶做构成的多个首层平面，会使公共性大大的加强。楼梯的不同形式，是使空间变得暧昧的一种方法，我查找了一些不同尺度的楼梯所具有的功能，由此提取出了我的一些原型。
我不想去定义空间的性质，和它可能只是更加偏向于的某种使用功能。我认为，剧院可以具备多种功能，可以根据不同的功能有不同的坡度，比如可以供街头艺人的表演，甚至是杂技。因此，剧院不仅仅是演出话剧而已。同理，剧院也不仅仅是剧院而已。
似乎建筑专业的学生总是在和空间、功能打交道，而固定形式的空间和功能，似乎就被定义成了某一栋建筑。但希望我设计的剧院，能完全脱离功能的要求，仅仅提供一个框架体系、一个场所。
我认为，失去功能的同时，激发出的各种生活场景即为“生活即戏剧”。虽然没有精心安排好的剧情，但是会把一部剧，分解融入到日常中去。而人们的生活，本来就是由一幕幕的剧情串联起来的，没有功能、没有界定，往往意味着更多的可能性。也许，早上它可以是个菜市场、是个超市，晚上就是个观众席、是酒吧、剧场、是块大屏幕...正如封面所表达的那样，平时除了是一个散步的好去处，它的日常甚至就可以是一个广告牌。
剧院在不同的时间，所展现出的不同样子，可以供给一个艺术家作为画展，可以让卖花的摆满植物，可以让出售家具的放置桌椅，可以让表演者们上下跳跃，我觉得这些场景的仪式感，丝毫不会比剧幕中所呈现出来的差。
而我的设计作品名字为”穿梭“，意为每一层的平台主要是依靠不同角度的楼梯和坡道之间的相互串联，这也是作品中主要空间的关键之处。人们每天都会来来往往、上上下下、走走停停，穿梭在一片金属架子之中。正如，我们每天穿梭在城市之下的那些粗粗细细、高高矮矮的钢筋之中；正如，在不同的空间中来回切换角色，在不同的角色中上演不同剧幕。
评图团的问题与建议
魏然：王楠同学比较有意思的地方是，她的场地在high line（高线）旁边，但是她又把建筑跟高线脱离开，让建筑成为了一个完全被看的空间。我觉得这个概念非常好！
另外，我觉得你可能是想做一个极简主义的设计，既不做空间分割，也不做过多装饰。那么，既然要做一个非常概念的设计，我建议你可以继续往极端的方向发展。比如说，你可以考虑一下，所用的材料对现有的极简的空间会有什么样的影响？再深入地挖掘一下啊这个“看与被看的关系”。
刘阳：刚才听你讲的话，都在考虑的是，怎么去“看”这个东西。但是真正的剧场，还有一个很重要的部分，是怎么去“演”。也就是说，演员在干什么，他对这个空间、场地的感知、反应。比如，对一个话剧演员来讲，在一个小剧场演出和在一个大剧场演出，他的表演方式是完全不一样的，语速、语调、声音的大小、脸上表情的夸张程度都有区别，但我刚才感觉你好像都没有太考虑到这个层面上的事。
王子耕：王楠同学，她的这种建筑形式本身是具备看和被看的潜力的，也具备在里面塞进不同项目的潜力。
但是你的论述，其实有点禁不住推敲。我个人认为，浸没剧的空间形式之所以成立，是因为它有剧本，里面的表演、每层的设计都是根据剧本来的，所以这个空间才会跟表演、跟行为有一个直接的关联。
王雨田：王楠同学的设计作品，这种在剧本干预下的表演空间的转化，其实就是“生活即表演”、或者说“生活即场景”、“生活经验即戏剧”的转变。我觉得任何一个某种程度上带有场景感且布置过的场地，都可以创造出一种不同的表演者和观演者之间的关系。就是说，我既是表演的人，也是看其他人表演的人，但所谓的这个表演，可能在这个设计里边对它的定义，就丰富得多了，它并不会被剧本给限定住。
曾婧如
关于奢侈品店部分的设计
设计师作品自述
我们Studio的课题是Artwork as Performer，也就是说整个Studio都在探讨的是，艺术品作为表演者与观众之间看与被看的关系。而我的设计是三个小话题中的奢侈品店，意在研究以“工厂”作为表演者的奢侈品店与消费者之间的关系。
但是，我们选择的并不是被大家所熟知的、那些烂大街的奢侈品品牌，而是以“手工”闻名的品牌。比如我做的就是，关于一个手工家具的品牌。因为我认为，奢侈品店最为人称道的并不只是橱窗里精美的商品，还有背后强大的，花费大量物力、财力的手工艺过程。而我希望，将这部分“暴露”出来。
因此，我的设计主要就是，将品牌背后的整个工厂的部分展示出来。作为表演者本身，成为商店里的一部分，看看“观众”与之发生的关系。
而亮点就是将所有楼板全部倾斜，将工厂的整个流线与一些公共的空间（餐厅、咖啡厅、手工作坊、展厅）无缝地串联起来，模糊整个空间的分割（这一点也利于工厂本身的材料运输与行为连续）。而我想着重表达的部分，就是斜坡（slope）这个元素。很明显的，它也是贯穿整个设计的元素。模糊空间的功能分割也是很奇妙的一点，你可以感受到设计中到处都是看与被看的关系。
评图团的问题与建议
苏曼：包括细节、功能的一些分类和思考等等，我觉得都还挺到位的。但是，当你把产品的一个幕后的制作流程全部展示在消费者面前的时候，有没有考虑过可能会暴露商家想保留的部分，或者说商业机密上的东西。那么，在你现有的设计、规划里面，有没有在考虑该展示什么，不该展示什么。因为如果在现实因素的考量下，可能首先要跟制作工厂进行协调，其次是商家能利用这些促进消费，但会不会愿意流出太多这方面的信息。我认为你可能还需要在多做一些调查、研究和分析。
高亦伟：我觉得曾婧如同学的设计，是属于一个元素贯彻的比较彻底的，而她纯展示家居的制作流程，再放在同样一个展示平台上这一点，是比较值得鼓励。
王子耕：曾婧如同学的“工厂化”，我觉得是一个好主题。而另一个明显的特征，就是在向体验式消费靠拢。但我觉得，如果你说它是奢侈品，这个事会引起歧异。
一是，像百达翡丽、爱马仕...我觉得没有任何一个奢侈品品牌会在城市空间里让中产阶级们看到它是怎么做的。这些品牌是可以开放其在乡间的某个工厂，组织一个具有观赏性的这种体验的行程。但是，你要注意，这种体验不会放在城市空间，也不会开放给中产阶级甚至以下。所以我觉得，你对于人的这种消费行为，对于奢侈品品牌的真正需要，可以去找一找、看一看现有的例子，就是它是怎么通过空间营造来讲故事，怎么通过空间来产生这种传统上的溢价的。绝对不会说是，“来，我告诉你，我背后怎么做的...”。
二是，看到你现在的设计，有点更像宜家的感觉，但宜家的流线设计也是非常讲究的。所以，不是所有的流线都从底层直到楼顶，这之中应该有变化和体验的序列节奏（哪儿是高潮，哪儿是一般的环节），你要把这个设计出来，然后再放到一起，而不是设计一个顺着序列的、像螺旋楼梯一样的流线。如果你把序列设计好，再了解清楚整个工艺流程，可能会对你的空间产生一些新的、不一样的刺激跟想法，也可能会变得更有趣。另外，既然要做工厂，直接改造一个工厂，会不会更好。
王雨田：实际上关于奢侈品，早前我们定的话题是品鉴，但做到后来发现，实际上提到这个带引号的“奢侈品”，范围已经被扩大为强调手工艺或者说强调可以同时将某些步骤展示出来的这么一类产品或商品。那么做这个设计的目的是什么呢？是因为，某种程度上，我们对于一个产品从生产到销售的了解都是片断化的，作为一般人接触到的，往往都是最后一个环节。但就像刚才子耕老师提到的，实际上现在的本质是体验性的购买与销售；就像刘阳老师提到的，掌握顾客的心理或者说买卖的群体。当把这些作为一个建筑化的语言实现出来的时候，要做到什么程度上的开放和闭合？这种平衡，就在你把建筑作为一个工具强化中来实现，这就是第三类设计的一个我觉得非常重要的话题。